Tipos de Grafite

Tipos de Grafite
Hoje os grafites podem ser obtidos em forma de lápis, lapiseiras ou mesmo em barras mais robustas enroladas em plástico.
Os lápis são fabricados com diferença na composição das misturas de argila e grafita, o que confere a eles variação na dureza e no efeito dos traços produzidos. Os lápis mais duros, são referenciados com a   letra H do Inglês hard, enquanto os mais macios recebem a letra B de black, por produzirem traços mais escuros. Junto com a letra é associado um número para distinguir o grau de dureza ou maciez, sendo a escala mais comum do 6H até o 6B, porém existem alguns fabricantes que estendem a escala até os limites de 10H a 9B.
Quanto maior o número do H, mais duro será o grafite, por outro lado, quanto maior o número do B, mais macio ele se torna, portanto o lápis 4H é mais duro que o 2H e o
3B é mais duro que o 6B. No centro da escala encontra-se de maneira intrusa, o lápis F, de for fine point. A explicação é a de que este seria o grafite com o qual se consegue manter a ponta fina por mais tempo.
O lápis HB, também no centro da escala, é o lápis intermediário, normalmente utilizado na escrita. E a propósito do comentário, existe uma outra numeração utilizada, onde os lápis são seqüenciados através de números, sem as letras, que vão de zero a cinco, sendo o zero o mais macio e o cinco o mais duro. Na correspondência o número dois equivale ao HB, daí a razão do número dois nos lápis que adquirimos em papelarias para a escrita.
Embora exista uma graduação nos lápis utilizados para escrever, estes não se comparam em qualidade aos utilizados para atividades gráficas, artísticas ou técnicas. Quanto a isto, os lápis técnicos são os mais duros, do 10H até o HB e os artísticos de 2H até o 9B, porém o uso na prática, vai do gosto individual de cada um, tendo artistas que costumam utilizar por exemplo lápis mais duros como o 4H para a confecção de sua arte.
Apesar de o desenho com lápis de grafite ser realizado muitas vezes como base para o trabalho com outros materiais, é possível a criação de belas obras exclusivamente com o seu uso. Devido a grande variedade de tons e capacidade de ser trabalhado com ponta muito fina, o lápis de grafite dá ao artista meios de realizar a confecção de simples até complexos desenhos.

Airton Senna da Silva

Grandes Mestres

Leonardo da Vinci

(1452-1519)

Renascimento

Leonardo da Vinci nasceu em 15 de abril de 1452, mas há dúvidas sobre o local de seu nascimento: para alguns historiadores, foi numa casa de Anchiano, uma localidade de Vinci, enquanto para outros, foi o próprio lugar de Vinci, situado na margem direita do rio Arno, perto dos montes Albanos, entre Florença e Pisa.

Da Vinci foi um dos mais notáveis pintores do Renascimento e possivelmente seu maior gênio, pois era também anatomista, engenheiro, matemático, músico, naturalista, arquiteto e escultor. Por suas idéias científicas terem quase sempre ficado escondidas em cadernos de anotações, foi como artista que obteve reconhecimento de seus contemporâneos.

Assim, Da Vinci fez estágio no estúdio de Verrochio (importante artista da época), em Florença. Mudou-se para Milão em 1481, onde trabalhou para a corte de Ludovico Sforza. Até 1506, trabalhou principalmente em Florença e tudo indica que, nesta época, ele tenha pintado a Mona Lisa, sua obra mais famosa. Entre 1506 e 1516, viveu entre Milão e Roma. Convidado por Francisco I, viajou para a França em 1516, vindo a falecer no ano de 1519.

Ricardo

Bom esta é uma caricatura feita para o Ricardo, bom o tema da para ver que é a cerveja. Ele gosta de uma cervejinha e não podia deixa-la de fora!!!

Cameron Diaz

Este desenho foi feito no Papel Canson 230g., Lapis Staedtler HB, 2B, 4B, lapiseira 0.3 B

Grandes Mestres
Édouard Manet

(1832 - 1883)

Realismo

Édouard Manet (1832-1883) é considerado um importante pintor e artista gráfico do século XIX, visto por alguns críticos como um dos fundadores da arte moderna. Era considerado um artista rebelde e, apesar de ter sido discípulo do pintor parisiense Thomas Couture, acredita-se que tenha adquirido seu estilo observando o trabalho de mestres antigos em museus como o Louvre.

Entretanto, os trabalhos de Manet sempre foram incompreendidos pelos críticos de sua época que os consideravam desrespeitosos aos padrões artísticos vigentes. Um exemplo disso foi a rejeição de sua pintura Déjeuner sur L' herbe, em 1863, que mostrava uma mulher nua em um piquenique com dois homens vestidos com trajes contemporâneos, numa época em que a nudez só era aceita pela academia quando referia-se ao passado.

Manet era bem sucedido na representação de temas ligados à vida moderna, e é criticado ainda por não poder pintar aquilo que não estivesse em sua frente, uma vez que pintava diretamente do modelo. Entretanto, outros refutam essa afirmação que denigre a imaginação do artista, afirmando que suas obras não eram representações fiéis da natureza. Contra seus próprios esforços, Manet era muito admirado pelo grupo de pintores impressionistas que se formava e era considerado um dos líderes de vanguarda, mas acredita-se que ele se ressentia pela falta de reconhecimento oficial.

Uma de suas melhores obras, consideradas também uma das principais do século XIX, foi feita no final de sua carreira: Um Bar na Folies- Bergère, de 1882. Um espelho é utilizado para refletir as figuras e a luminosidade artificial do interior. Nesta obra, o assunto não é considerado tão importante quanto o próprio ato da pintura.

Andréa

Amizade é um dom Divino. É um dom que poucos tem. É algo sublime, perfeito, dedicado. È um sentimento bom, gostoso de sentir. Quando ganhamos um amigo, tudo se torna mais fácil, a vida se torna mais bela e a semante do amor é frutificada, regada com muita paz,harmonia e sinceridade nos corações que tem Deus.

Principais caracteristicas dos papéis

Este retrato foi feito com amor para a minha mãesinha.

"O amor é a asa veloz que Deus deu à alma para que ela voe até o céu." (Michelangelo) Canson, HB, 2B, 4B, 6B (Staedtler)

O lápis e o papel formam a dupla mais utilizada para a confecção de desenhos. Quanto melhor a qualidade destes, melhor será o resultado final do desenho.
Nesse artigo estarei falando sobre as principais características do papel.


Textura
A textura do papel talvez seja o fator mais importante para a confecção de desenhos. Para trabalhos com muitos detalhes, o ideal é que ela seja mais fina porém com sulcos suficientes para que o grafite possa ser depositado.
Papéis como as folhas A4 utilizadas nas impressoras são lisos demais, o que faz com que o artista despenda maior esforço para a imitação de determinadas texturas. Os papéis westerprint sofrem também desse mesmo problema, apesar de possuirem gramatura maior. Esses papéis são bons, noentando, para trabalhos onde a finalização será realizada com tinta nanquim. Papéis porosos demais, por outro lado, também não são bons para o trabalho com grafite, sendo mais indicados para o desenvolvimento de desenhos a giz pastel seco, exceto se o objetivo do artista é criar um desenho mais solto, sem atenção aos detalhes.

Ph neutro
A maioria dos papéis são alcalinos. Estes papéis, devido a sua acidez, amarelam com o tempo e tem sua durabilidade reduzida.
Outro problema que ocorre com os papéis alcalinos é o ataque de fungos, principalmente em lugares com maior humidade. São esses fungos, conhecidos como papirícolas. Existem 32 especies de fungos da celulose e, entre eles, encontram-se 14 espécies do tipo papirícola, que deixam sobre o papel manchas amarelas esverdeadas, castanhas, pretas, cinzentas, violetas, beje ou ocre.
Para o trabalho artístico, onde se deseja a perpetuação da obra, é necessário que se utilize um papel livre de ácido. A medida de acidez é efetuada através da verificação do seu pH. O pH pode variar de 0 a 14, sendo até pH = 7 considerado livre de acidez. O ácido do ambiente interfere no pH do papel, fazendo com que caia para menos do que 7, provocando dessa maneira o amarelamento. Essa é a razão pela qual devemos efetuar a escolha do papel entre os que possuem alcalinidade neutra. Alguns exemplos destes papéis são o Fabriano 121L e o Mi-Teintes. O Fabriano 121L é também conhecido como Fabriano 5 e vem com a inscrição Cotton 50% na borda do papel, em baixo relevo. Os papéis são fornecidos em várias medidas, sendo as mais comuns, folhas no tamanho 50X70cm ou de 70X100cm.

Algodão
O papel pode ser fabricado com polpas de fibras de algodão. A mistura do algodão na composição do papel proporciona a este uma maior durabilidade, pelo fato das fibras serem mais longas e o algodão ser um material mais nobre que a celulose. Esta mistura é o que o torna mais resistente ao atrito facilitando o trabalho com o grafite no processo de criação de desenhos hiper-realistas, já que existe a necessidade de fricção por um tempo mais prolongado em uma mesma região com a passagem do grafite e posteriormente do esfuminho. Esta é a razão pela qual os papéis como o Mi -Teintes e o Fabriano são melhores para o desenho foto-realista do que os de linha escolares.

Gramatura
A gramatura do papel é o peso em gramas medido por metro quadrado de uma folha de papel, especificado no Brasil em g/m². Alguns paises utilizam a libra como unidade de medida. A comercialização do papel é realizada com base no seu peso, por este motivo é evidente que quanto maior a gramatura, maior será o seu custo. Normalmente um papel de maior gramatura terá também maior espessura, porém pode ocorrer de papéis com mesma gramatura terem espessura diferentes. Isto tem a ver com a composição, pois os materiais utilizados na fabricação do papel podem ter relação de peso diferente. O Fabriano 121L pode ser encontrado na gramatura de até 300g/m² enquanto o Mi-Teintes é encontrado com 160g/m², fácil portanto deduzir que o Fabriano é um papel muito mais espesso.

Diferença entre marcas de grafites e lapis

Diferença entre marcas

O grafite possui diversas graduações. Isto foi feito como forma de padronização, para que os usuários pudessem identificar o tipo mais adequado as suas necessidades. Esta padronização, no entanto, serve apenas para diferenciação das minas dentro da escala do mesmo fornecedor, pois existe uma grande variação entre fornecedores diferentes, ou seja, a tonalidade obtida pelo grafite B de um fornecedor, pode ser o 2B de um outro. Desta forna o ideal é que se trabalhe com lápis de um mesmo fabricante ou que o usuário experimente antes de comprar, no caso de estar adquirindo um lápis de marca diferente.
Além da questão exposta acima, é importante saber que a qualidade das minas de grafite variam de fabricante para fabricante. Existem algumas empresas com produtos diferenciados, sendo alguns produzidos para o uso artístico e técnico, escritório ou escolares. Escolha sempre os da linha artística, pois serão sempre os de melhor qualidade.
Entre os melhores fabricantes estão a Staedler, Faber-Castel Alemã, Bruynzeel, Cretacolor e Koh-I-Noor, para citar os principais fornecedores.
A qualidade do lápis reflete de forma significante na qualidade da arte final. Com a experimentação de tipos de minas de marcas diferente, este fato fica bastante aparente, portanto se quiser bons desenhos, porcure sempre pelos melhores materiais.
Este texto, procurou dar uma pequena noção sobre as qualidades das minas de grafite.

Yuri-chan

"A maioria de nós prefere olhar para fora e não para dentro de si mesmo" ( Albert Einstein )

Lápis, lapiseira ou bastão

Este desenho foi feito para a Akemi

Lapis, lapiseira ou bastão

O grafite pode ser utilizado montado em um lápis, em uma lapiseira ou como uma barra, dependendo da finalidade ou preferência de quem a utiliza. Em geral o lápis oferece a maior variedade de recursos para o artista, já que com a possibilidade de ser apontado de diferentes maneiras, dá maior versatilidade para diversos efeitos. A lapiseira por sua vez, permite a execução de traços contínuos, sem alteração da sua espessura, o que muitas vezes é desejado, além de ser muito mais prático pelo fato de não ser necessário apontá-la.
Os bastões são utilizados para o preenchimento de grandes áreas, onde a precisão não é um requisito. Com ele é possível um ganho acentuado na velocidade da cobertura. Embora existam artistas que trabalhem com apenas um tipo, aproveitar as vantagens de cada um trás grande benefícios para a qualidade dos desenhos. Além da escolha do equipamento a ser utilizado, para que se obtenha os resultados esperados, é necessário possuir algumas variações de graduação do grafite. Os grafites mais duros são melhores para os esboços iniciais, pois por serem mais duros, despejam menor quantidade de grafite sobre o papel, fazendo com que a cor seja mais clara. Este lápis deve ser passado sem muita pressão sobre o papel pois devido a sua dureza, poderá danificar a superfície. Após o esboço inicial pode ser utilizado um lápis mais macio para adicionar tonalidades mais escuras e enfatizar o desenho preliminar.
A lapiseira é muito útil quando se deseja traçar linhas precisas, como no desenho de cabelos pelos, estruturas de prédios, ou qualquer outra estrutura rígida.

Caricatura com aquash

"A vida não dá nem empresta; não se comove, nem se apieda. Tudo quanto ela faz é retribuir e transferir aquilo que nós lhe oferecemos."
( Albert Einstein )

Oriental

"A imaginação é mais importante que o conhecimento."
( Albert Einstein).

Este não foi feito por mim, mas pelo meu marido Ed.

Grandes Mestres

Monet
(1840-1926)

Impressionismo

Claude Oscar Monet nasceu em Paris, na França, em 1840. Quando tinha 5 anos, a família se mudou para Le Havre, uma cidade às margens do rio Sena. Todos o consideravam indisciplinado. Gostava de desenhar e fazia caricaturas dos professores. Aos 15 anos, já ganhava dinheiro vendendo seus desenhos. Com o serviço militar, teve de interromper os estudos. Permaneceu na Argélia por quase um ano, até que uma tia conseguiu seu desligamento, exigindo-lhe que retomasse os estudos. Voltou a estudar desta vez no estúdio Gleyre, onde conheceu Bazille, Renoir e Sisley, com quem formou o grupo dos Impressionistas. Lá também conheceu Camille Doncieux com quem passou a viver. As dificuldades financeiras separaram o casal que mais tarde se casaria oficialmente. Em 1867 Camille deu à luz o primeiro filho. Em 1868, Monet tentou o suicídio.

Com o início da Guerra Franco-Prussiana, se refugiaram na Inglaterra. Em Londres, Monet pintou vários quadros, entre eles a série do Parlamento. Com o fim da guerra, retornou à França e foi morar em Argenteuil.

Em 1874, houve a exposição que marcou o início do movimento impressionista. A crítica chamou o grupo ironicamente de impressionistas. Queriam dizer que os quadros não passavam de uma primeira impressão, um rascunho. Em 1876, Monet conheceu Ernest Hoschedé e sua esposa Alice, que se tornaram seus admiradores. Em 1878 com o nascimento do segundo filho, mudou-se para Vétheuil. Camille faleceu em 1879, vítima de tuberculose.

Depois de ter experimentado a pobreza, Monet começou a prosperar. Em 1883, alugou uma casa em Giverny e, em 1887, expôs novamente em Nova York. Com a morte de Ernest Hoschedé, casou-se com Alice. Nesta época, cuidar do jardim tornou-se uma de suas atividades preferidas. Em 1893, construiu o jardim aquático, que seria sua grande fonte de inspiração. No início do século, visitou vários países europeus. A partir de 1907, teve problemas com a visão. Com a evolução da doença, suas telas tornaram-se quase abstratas. Em 1911, morreu Alice e, três anos mais tarde, Jean, seu primeiro filho. No período da Primeira Guerra, Monet dedicou-se exclusivamente à pintura. Em 1918, doou as telas ao governo francês que as expôs no Museu de Orangeries. Em 1923 foi operado da catarata e passou a usar óculos. Morreu em 5 de Dezembro de 1926, em Giverny.

Desenho

O desenho ganhou importância a partir da Renascença e aos poucos passou a ser valorizado como obra de arte autônoma.

Desenho é a arte de criar formas por meios de linhas, traços, pontos, curvas, cruzamento de linhas, para definir perfis, luzes e sombras.

Exeto na gravura e na litografia, o desenho não passa por nenhum processo de reprodução mecanica, sendo apenas fruto direto do artista.

Existem diversos graus de elaboração do desenho, desde o esboço, que é ligeiros toques, que apenas insinuam formas, até desenhos com grande rigor de detalhes, que o fazem realistas.


"Pessoas sábias falam sobre idéias, pessoas comuns falam sobre eventos e pessoas medíocres falam sobre pessoas!"
( Albert Einstein )

Técnicas de desenho

Técnicas de desenho

Desenho a carvão. São raros os desenhos a carvão anteriores a 1500, de vez que o carvão esmaece com rapidez, e métodos de fixação somente foram postos em prática após aquela data. Com o carvão, é possível tanto traçar linhas quanto executar sombras. Se calcado com força, produz um traço negro intenso; se de leve, um cinza que variará de tonalidade, segundo a habilidade e a técnica do desenhista. Dürer, na Renascença, e Ernst Barlach, em princípios do século XX, estão entre os mais importantes artistas que fizeram uso do carvão como material de desenho.

Desenho a giz. Executado com giz preto, ou vermelho, sobre papel, papelão etc., essa forma de desenho surgiu na Itália e na Alemanha no século XV. Leonardo da Vinci, Michelangelo e muitos outros grandes mestres deixaram desenhos a giz.

Aguada. Após a introdução da pintura chinesa na Europa, em pleno período barroco, o desenho a aguada conheceu grande voga. É feito com tinta, mediante o emprego de pena e pincel, sobre um suporte de papel. Poussin e outros artistas célebres empregaram tal método.

Aquarela. A técnica da aquarela assemelha-se mais à pintura que ao desenho. Todavia, a aquarela possui a mesma espontaneidade do desenho, pois não oferece nenhuma possibilidade de retoque. Emprega um pigmento em pó misturado com goma arábica e diluído em água. Aplica-se em papel com pincéis macios. A técnica já era conhecida entre os egípcios, no século II da era cristã, mas só se desenvolveu a partir do século XV, e sobretudo a partir de Dürer. Com a aquarela obtêm-se belas transparências de luz e cor, motivo pelo qual é muito apreciada pelos paisagistas.

Pastel. Feito com auxílio de giz artificial que desliza sobre um suporte de papel, cartão etc., o pastel aproxima-se do desenho a giz vermelho. Os pastéis mais antigos remontam ao século XV, mas só no século XVIII atingiu seu máximo desenvolvimento.

Ponta de metal. Uma das técnicas mais antigas, a ponta de metal é precursora do desenho a lápis. Consiste na utilização de estiletes com ponta de prata, ouro ou chumbo, que deixam um traço cinza ou dourado na superfície do papel revestido com uma solução aquosa de pó de osso, goma arábica e, eventualmente, corante. A ponta de metal sulca a camada de revestimento, inscrevendo-se na folha, não permitindo raspagem ou retoque. É um desenho muito delicado, especialmente a ponta de prata, que deixa um traço cinza-claro que escurece com o tempo. Foi usada por Pisanello, Rafael, Leonardo, Holbein e Dürer.

Desenho a lápis. Empregado freqüentemente como um estudo preliminar de uma pintura, o desenho a lápis pode ser feito com lápis natural ou artificial. Natural é o lápis preto da Espanha ou da Itália, o lápis de chumbo dos desenhos arquitetônicos antigos, o lápis vermelho holandês (óxido de ferro). O lápis artificial, de grafita, foi criado pelo mecânico e químico francês Nicolas-Jacques Conté, em 1795. Embora o lápis de grafita já existisse na Inglaterra, na Bélgica e na Espanha desde 1600, foi Conté o inventor do processo de manufaturar lápis de diferentes durezas, adicionando argila à grafita em estado viscoso.

Desenho a pena. A pena de pato, a de junco ou a de aço, embebida em tinta, e a partir do século XVIII em sépia, produz sobre um papel forte, absorvente e liso o chamado desenho a pena, ou bico-de-pena. A pena foi desde a antiguidade um instrumento favorito de escrita. Seu uso como utensílio de desenho remonta à alta Idade Média. Artistas como Rembrandt utilizaram a pena de junco, que só se popularizou no século XVII. Própria para os desenhos rápidos, a pena exige o uso da tinta, solução aquosa colorida cujos tipos mais comuns são o nanquim, a sépia e o bistre, além das tintas modernas que não esmaecem com o tempo.

O que é um esfuminho e como usa-lo

Esfuminho é um rolo de papel, feltro ou peliça prensado em forma cilindrica com pontas nas extremidades,
artefato criado especificamente para a obtenção dos efeitos de esfumado e pode ser utilizado para os trabalhos utilizando-se as técnicas secas como o lápis de grafite, carvão ou pastel.
Com ele é possível criar as texturas mais suaves e degradês. No pastel também auxilia na mistura entre cores adjacentes produzindo um agradável efeito de transição entre uma cor e outra.
Essa ferramenta pode ser utilizada de diversas maneiras. Nesse primeiro artigo farei uma abordagem sobre o uso do esfuminho com o lápis de grafite para criação de desenhos fotográficos.
Dependendo do resultado que se espera, o que é considerado como certo no uso do esfuminho para um tipo de desenho, não será para outro, e é por essa razão que esclareço nesse ponto que as técnicas ensinadas aqui são para a obtenção de efeitos mais realistas, quase fotográficos, apenas com o lápis de grafite.
Nesse tipo de trabalho o esfuminho é utilizado apenas para dar o acabamento do desenho. Todas as texturas e graduações deverão ser obtidas com a utilização do lápis. O esfuminho entrará apenas na fase final do desenho para os últimos retoques.

Este è o meu preferido

"O sábio nunca diz tudo o que pensa, mas pensa sempre tudo o que diz."
( Aristóteles )

Grandes Mestres

Picasso
(1881-1973)

Cubismo

Pablo Picasso, o artista mais famoso e mais versátil do século XX, nasceu em Málaga, no sul da Espanha, em 25 de outubro de 1881. O pai era professor de desenho, portanto o óbvio talento de Picasso foi reconhecido desde cedo e, aos quinze anos, já tinha o seu próprio ateliê.

Após um falso início como estudante de arte em Madri e um período de boêmia em Barcelona, Picasso mudou-se para Paris. A cidade foi lar permanente do artista desde abril de 1904 e tornou-se o novo centro da arte vanguardista.

Neste período, seu trabalho foi relativamente convencional, passando da Fase Azul melancólica (1901-05) para a Fase Rosa, mais alegre (1905). Na vida de Picasso, as mulheres e a arte estão intimamente misturadas. O surgimento de uma nova mulher freqüentemente sinalizava uma mudança de direção artística.

Em 1907, junto com o pintor francês George Braque, criou o Cubismo, movimento em que o mundo visível é desconstruído em seus componentes geométricos. Neste momento, se estabeleceu um dogma fundamental da arte moderna - o de que o trabalho do artista não é cópia nem ilustração do mundo real, mas um acréscimo novo e autônomo.

Ao contrário de alguns contemporâneos seus, Picasso nunca chegou a criar uma arte puramente abstrata. Sua versatilidade o mantinha um salto adiante de seus admiradores que se surpreenderam quando ele voltou a pintar figuras mais convencionais. Coincidentemente ou não, em 1918 se casara com a bailarina Olga Koklova, e adotara um estilo de vida que com o tempo foi lhe aborrecendo.

Em 1925, começou a pintar imagens deformadas que em parte se deviam às dificuldades pessoais. Inventou uma variedade de estilos como nenhum outro artista havia tentado antes. Em qualquer veículo que se expressasse, sempre foi imensamente prolífero.

No final da década de 30, criou Guernica - uma resposta direta aos horrores da Guerra Civil Espanhola. Após colocar-se ao lado dos republicanos, foi exilado de sua terra Natal. Durante a Segunda Guerra, ficou na Paris ocupada pelos alemães, proibido de expor, mas sem que ninguém o molestasse seriamente.

Após a libertação de Paris, ingressou no Partido Comunista, e durante alguns anos suas obras foram declaradamente políticas; mas ele era também uma celebridade internacional, residia no Sul da França, onde os ricos iam se divertir.

Casou-se pela segunda vez com Jacqueline Roque em 1961 e passou a levar uma vida mais retirada. Morreu aos 91 anos em 8 de abril de 1973.